Interestellar (2014)

Con su actriz fetiche Anne Hattaway y Matthew McConaughey, acompañados de un reparto interestelar, tales como: Jessica Chastain, Cassey Affleck, Michael Caine y Matt Damon; Christopher Nolan, conocido por la última trilogía de Batman, dirige, co-produce y co-escribe una de su más grandes ambiciosas obras: Interestellar. 

Este film habla de un desajuste natural que poco a poco está, y seguirá, matando al ecosistema, incluyendo la raza humana. Joseph Cooper (Matthew McConaughuey), un expiloto de prueba de la NASA, se consigue con sus ex-empleadores, y estos, por su reconocida experiencia, le piden ser cabecera de una misión piloto que pretende, no salvar la tierra, pero sí la humanidad.

Matthew McConaughey como Joseph Cooper

Joseph, en conjunto con otros especialistas, es enviado al espacio exterior en una misión para encontrar un planeta habitable para le prevalencia del raza humana. Resulta, que se ha descubierto una especie de hoyo negro llamado Gargantúa, este conecta a nuestra galaxia con otra dónde existe una serie de planetas cercanos a una estrella que podría ser la esperanza de la humanidad. La misión de Joseph y su equipo es descubrir cuál de estos planetas cumple con los requerimientos mínimos para la supervivencia de la especie; la misión cumple dos fases: la primera, encontrar el planeta indicado y enviar una señal a la tierra; y la segunda, reproducir la humanidad in vitro si no se llegase rescatar al resto de sus amigos y familiares en el planeta Tierra.

Anne Hattaway como la dra. Brandt.

El film posee secuencias de acción muy entretenidas, a pesar de la longitud de la película, la originalidad del guión, y la marca característica de su director en la creación de la misma, hacen al espectador mantenerse en suspenso durante las dos horas y cuarenta y nueve minutos.

La película no solo contiene ciencia ficción y aventura; tiene como valor agregado un desarrollo filosófico en sus personajes, y una carga dramática en el desarrollo interpersonal de los protagonistas del film. Además, el film se adentra en temas de física cuántica tales como la teoría de la relatividad y  la gravitatoria según Einstein, que hacen al guión bastante interesante.

Interestellar es una película que provoca ver repetidas veces, y no habrá ni el más mínimo bache que te permita quitarle tu atención; la aventura, la acción, el drama y la ciencia ficción hacen de la película una explosión de entretenimiento que no puedes dejar de disfrutar en el cine.

Fallas del guión y poco realismo. (ALERTA SPOILER)

Partiendo, y respetando, lo ambicioso del guión y de la producción de la película, se debe tomar en cuenta algunos grandes baches dentro del guión, la falta de realismo y la comparación errónea por parte de los espectadores con Gravity.

Aunque no se pueden dejar de aplaudir los logros de la película, tampoco se puede dejar de criticar una serie de grandes hoyos dentro de la trama; el primer gran error: el pobre manejo de TODAS las teorías físicas que usaron. Debo destacar, que mis conocimientos sobe física son muy limitados, sin embargo, considero que las explicaciones de aquellas teorías fueron muy pobres. El film trata temas como la relatividad del tiempo y el espacio; la «quinta dimensión» y la teoría gravitatoria de Einstein; estas nociones físicas, han sido usada en muchísimas películas que las combinan con ficción y logran conclusiones bastantes interesantes y realistas; sin embargo, en Interestellar, son apenas parafraseadas, y nunca se entiende cómo en la práctica, lo que sucede en la película, se relaciona con las teorías. Se podría inferir: que el creador del film subestimó la inteligencia en masa de los espectadores, que el creador del film no supo expresar las teorías, o que el creador del film no conoce las teorías; apuntando más a la primera y la segunda.

Jessica Chasitain y Cassey Affleck.

Interestellar ilustra nulo concordancia con la realidad. Durante la película, ocurren eventos que, desde mi perspectiva, rompen la sensación de identificación entre el espectador y la pantalla. Entre tantas, se podría mencionar la comunicación recurrente entre el planeta tierra y la nave espacial; sinceramente, cómo se puede creer que desde otra galaxia, o muy probablemente, otro universo, se puede comunicar la base a la nave con tanta facilidad... Otro evento forzoso en la película, es el rescate de Joseph al final, se entiende que este es tragado y después vomitado por Gargantúa pero, así sea en la órbita de Júpiter, ¿qué probabilidades hay de encontrar a alguien en la estratosfera del planeta más grande del sistema solar antes de que esta persona se quede sin oxigeno? Considero que este fue el peor error de la película. También, cabe mencionar la relación tecnología-edad contemporánea. Si la película se desarrolla en la era actual, no hay nada más absurdo que hacer naves espaciales que parecen ser tomadas de Star Wars o Star Trek; tampoco es coherente volar una  nave desde la tierra hasta Júpiter y tardar 2 años, cuando en la actualidad, si existiese la tecnología, tardaríamos más de 8 años en llegar a Marte. 

Se muy bien que Interestellar es una película y no un documental, pero manejar ideas creíbles genera un lazo de identificación con el desarrollo de la película; hubiese sido mejor que el director ambientara la historia en un futuro, no necesariamente muy lejano, podría ser un futuro alcanzable, pero el solo hecho de abusar de estos aspectos, hace parecer Interestellar más una película de fantasía que una película de ciencia ficción.

Para mayor análisis de esta situación, se puede referenciar películas como Prometheus o Red Planet, que tratan con cuidado la tecnología y la adaptan a un periodo de tiempo más acorde.

¿Interestellar o Gravity?

Finalmente, me gustaría añadir la polémica comparación que se ha hecho entre Interestellar y Gravity. Pienso, que el único aspecto en común que tienen ambas películas es que las dos se desarrollan fuera del planeta tierra, de resto, no se parecen en nada.

Infiero que los espectadores comparan tan eufóricamente ambas películas por ser films espaciales, pero ninguna de las dos tiene un punto de comparación objetivo, además del aspecto ya mencionado. Mientras que Gravity es una película muy realista y simplista, Interestellar es un guión ambicioso y muy fantasioso. He escuchado muchos testimonios de personas que afirman que «Interestellar es mucho mejor película que Gravity», y no puedo dejar de escandalizarme al escuchar éso.

Gravity, hasta ahora, tiene un carácter único e innovador. Este film logra sentir al espectador muy similar a como un astronauta se siente en el espacio, Interestellar, no agrega nada innovador al arte del cine, las teorías físicas, han sido (bien) usadas en un arsenal de películas, y las naves espaciales y el entretenimiento que esta aporta, también se puede encontrar en muchas otras. En fondo, Gravity es una obra maestra, y en forma, ésta, cinematográficamente hablando, sobrepasa en cifras astronómicas a Interestellar.

Entre gustos y colores siempre existen diferencias, aunque algunos se hayan divertido más con una que con la otra, siempre existen parámetros para comparar películas. Con la mayor intención de ser objetivo, creé un cuadro comparativo entre Interestellar y Gravity para así medirlas en sus diferentes aspectos.

	Interestellar	Gravity
Dirección		✓
Guión		✓
Reparto	✓
Actuación	✓
Producción		✓
Soundtrack	✓
Fotografía		✓
Vestuario		✓
Sonido		✓
Edición		✓
Efectos Visuales		✓
Total:	3	8

Después de ver el cuadro se puede apreciar la superioridad cinematográfica de Gravity sobre Interestellar, sin embargo, habrá que esperar hasta febrero para que la academia dé su opinión sobre el film y confirmaremos que tan acertado es éste análisis, sin embargo, no creo que sea nominada a ningún galardón (a diferencia de Gravity que fue nominada a 10). Igualmente, considero que la película fue muy ambiciosa en todos sus aspectos, y aunque tiene rasgos que podría mejorar, considero que es una película que no se puede dejar de ver, y una de las mejores propuestas en materia de entretenimiento del 2014.

No entres dócilmente en esa buena noche,

Que al final del día debería la vejez arder y delirar;

Enfurécete, enfurécete ante la muerte de la luz.

Aunque los sabios entienden al final que la oscuridad es lo correcto,

Como a su verbo ningún rayo ha confiado vigor,

No entran dócilmente en esa buena noche.

Llorando los hombres buenos, al llegar la última ola

Por el brillo con que sus frágiles obras pudieron haber danzado en una verde bahía,

Se enfurecen, se enfurecen ante la muerte de la luz.

Y los locos, que al sol cogieron al vuelo en sus cantares,

Y advierten, demasiado tarde, la ofensa que le hacían,

No entran dócilmente en esa buena noche.

Y los hombres graves, que cerca de la muerte con la vista que se apaga

Ven que esos ojos ciegos pudieron brillar como meteoros y ser alegres,

Se enfurecen, se enfurecen ante la muerte de la luz.

Y tú, padre mio, allá en tu cima triste,

Maldíceme o bendíceme con tus fieras lágrimas, lo ruego.

No entres dócilmente en esa buena noche.

Enfurécete, enfurécete ante la muerte de la luz.

                                                                       - Dylan Thomas.

Qué bello es vivir (1946)

En vísperas de Navidad, por décadas ha persistido la costumbre de reflexionar viendo un buen film en familia, especialmente, ver aquellos films relacionados con ésta festividad. La Navidad es una época para meditar sobre nuestras bendiciones, y esta, es una tarea muy fácil cuando la paz, la familia y la pila de regalos bajo el árbol nos acompaña, pero ¿qué pasa cuando se vive una Navidad en tiempos de guerra, cuando algún familiar no nos acompaña, o cuando decidir quien coloca la estrella en la cima del árbol no es el conflicto principal en nuestros hogares?, ¿se puede reflexionar sobre el verdadero significado de la Navidad?, o ¿se puede, bajo éstas circunstancias, ver una película que nos ayude a reflexionar?

¡Por supuesto! Ahora más que nunca se deben ver películas que nos ayuden a reflexionar. 

Mientras el mundo da pausa a los problemas globales para celebrar la Navidad como de costumbre; el medio oriente vive bajo un imperio terrorista, en Nigeria aún se encuentran desaparecidas alrededor de 200 niñas, y países como México y Venezuela sufren grandes penurias. Éstos, entre muchos otros, son lugares donde protagonistas de tristes eventos se encuentran en una contexto agridulce, y el principal regalo de Navidad para ellos es la depresión. Muchos de éstos personajes de la vida real se preguntan cuál es el sentido de la vida, o qué finalidad tiene su existencia si no logran ser felices.

Resulta, que Qué bello es vivir (1946), película de Frank Capra protagonizada por James Stewart nos da una gran lección sobre el tema, y nos enseña a razonar que, independientemente de las circunstancias, el sentido de la vida y la finalidad de cada ser humano sí tiene razón de ser.

La película comienza en Nochebuena, cuando George Bailey (James Stewart) se da cuenta que se encuentra en un gran problema sin solución aparente . Después de toda una vida de trabajo y sacrificios por sus familiares y amigos, ésa noche, se ve recompensado con la mayor desgracia que él considera le pudo haber pasado. George, en ese momento, solo expresa su frustración y desea nunca haber existido; al decir esto, un ángel llamado Clarence es enviado desde el cielo para ayudarlo, y le concede el deseo de nunca haber nacido. A partir de ése momento, Clarence le advierte lo negativo que sería para el mundo su no-existencia; aunque George desde un principio reniega la idea, ambos empiezan un recorrido por lo que sería el tiempo y el espacio que habitó George pero sin su «triste» presencia.

Ustedes se preguntarán, ¿qué clase de ángel baja del cielo y en vez de solucionar el problema de George, simplemente lo desaparece de la faz de la tierra? Resulta que éste era un ángel bastante especial, ciertamente, Clarence no resolvió el problema de George, el ángel lo ayudó a entender lo importante de su participación en el mundo sin importar el tamaño de sus problemas. Las personas no vienen al mundo a «solucionar problemas», las personas vienen al mundo a crear un impacto en este, y aunque lo veamos o no, cada una de nuestras acciones tiene un impacto positivo o negativo en el mundo.

Esta película muestra como el aleteo de una mariposa en África, puede causar un tornado en El Caribe. Es un deber valorar cada una de nuestras acciones, independientemente de lo pequeñas que sean; y sin importar lo negativo del evento por el cual estés pasando, no cometas el mismo error que George, porque aunque no creas en la existencia de los ángeles, las circunstancias de la vida te pueden dar la misma lección que Clarence le dio a este hombre, y muchas veces la vida, al igual que éste ángel, no puede resarcir los deseos que ya una vez pediste.

Así que recuerda, ten cuidado con lo que deseas y... ¡Feliz Navidad!

Si deseas ver el film aquí facilito el link del mismo doblado al español.

Libertador (2014)

En Caracas el 24 de julio del presente año, día del natalicio de Simón Bolívar, se ha estrenado Libertador, película biográfica del emancipador de América.  Tras una larga espera, finalmente se proyecta en las salas de cine la tan esperada cinta ¡y qué revuelo causó!

Libertador está protagonizada y coproducida por el criollo Edgar Ramírez. El andino de 37 años ha subido como la espuma durante los últimos años, y Libertador ha sido «la cereza del helado», no sólo por su gran actuación sino por ser la imagen de la producción venezolana más grande que se ha llevado a a cabo.

En líneas generales, Libertador es una película de talla internacional en todo sus aspectos. La película resume la vida y obra de Simón José Antonio Bolívar Palacios pasando desde su infancia hasta su muerte. El film resume de manera muy concisa y dinámica todo los escenarios político-militares que enfrentó Bolívar para liberar gran parte del continente.

El guión estuvo bien planeado, como todo guión que desea agradar a masas no respetó con exactitud las descripciones históricas dela vida del protagonista pero, personalmente, considero que estos cambios son necesario para que la película impactara de la manera en que lo hizo. Principalmente, el físico del prócer no concuerda con el que vive en el consciente colectivo venezolano; por otro lado, tampoco las acciones heroicas coinciden con las descripciones estratégicas de los grandes investigadores donde describen al libertador como un gran cobarde. Pero a fin de cuentas, si Hollywood hace de cualquier delincuente un Robin Hood con  el rostro de Ben Affleck, ¿por qué nosotros no podemos hacer de nuestro principal patriota un héroe?

Durante el desarrollo de la película Bolívar interactúa con grandes figuras de la historia latinoamericana, entre ellos se encuentra su profesor Simón Rodríguez, José Felix Rivas, Francisco de Miranda y  Antonio José de Sucre. La dirección muestra las más importantes hazañas político-militar del libertador de forma anacrónica forjando una cátedra de historia que sólo el buen cine puede diseñar con interés.

Entrando en temas más específicos, se debe aplaudir el nivel de producción en las secuencias de acción (que son bastantes), ¡los efectos especiales hacían arder la pantalla! El film tiene una longitud de 119 minutos que pasan «volando» gracias al hecho de que mientras se descansaba de las muy bien reproducidas batallas, se narraba la historia con diálogos bastante cultivados.

Juana Acosta como Manuela Sáenz

El vestuario, a pesar de diferir un poco en lo que se deduce fue la moda caraqueña de la época, tiene un excelente diseño. Los uniformes militares por primera vez en la historia del cine venezolano pasan por encima de los datos históricos y convierten las telas en un actor más del film. El diseño de producción, el diseño de vestuario y la fotografía logran un nivel artístico que me hizo recordar películas como Espiacion, deseo y pecado. Simplemente, inmejorable.

El largometraje concluye impecable, con ideas, moralejas y muchos mensajes; sobretodo, un mensaje para el mundo, y es que Venezuela puede forjar cine con la misma calidad que forja patriotas.

Por otra parte, no puedo dejar de añadir que a pesar de ser basadas en el mismo personaje, Libertador y Bolívar, el hombre de las dificultades tienen muy poco en común.

Bolívar el hombre de las dificultades, fue estrenada hace un año y hasta la presente fecha las criticas negativas no dejan de aparecer. Estas criticas se hicieron más fuertes desde el estreno de Liberador, obviamente, esto se debe a un contexto social que opaca la primera, y el poco manejo de información por parte de críticos al momento de compararla con la segunda.

Libertador es una superproducción con un presupuesto mayor a los 72 millones de dolares, muchísima inversión, y mano extranjera, en cambio Bolívar el hombre de las dificultades, es una película hecha con un presupuesto mucho más limitado. The Liberator narra toda la vida del prócer y esboza un Simón Bolívar muy lejano en la realidad, por otro lado, Bolivar el hombre de las dificultades, se enfoca en un corto periodo de la vida del libertador, y proyecta a un Simón Bolívar más realista y con conductas menos mesiánicas. Por causas sociales Bolívar el hombre de las dificultades sufrió de una recepción muy negativa de la cual discrepo, pues pienso que Alberto Lamata, su director, es el mejor director de Venezuela, y a excepción de Roque Valero que no sabe actuar, el film fue un hermoso trabajo, sencillo, realista pero muy bien trabajado y con un melancólico enfoque de lo que fue nuestro verdadero libertador.

Personalmente, pienso que para conocer más a nuestro libertador debemos aprovechar estas películas como dos grades herramientas, y para disfrutar y aprender de cine ambas son un buen punto de referencia del gran cine que puede producir nuestro país. 

Libertador, ¿la primera nominación al Oscar por parte de Venezuela?

El pasado viernes 19 de diciembre, Libertador logró entrar en las nueve películas preseleccionadas para competir por el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa en la ceremonia número 87 que será celebrada el 22 de febrero. El film de Arvelo logró abrirse paso entre las 83 postulaciones para este galardón, ahora debe destacarse sobre sus ocho competidoras para ganar una de las cinco nominaciones, y después, traerse el primer Oscar a Venezuela.

Los contrincantes del Libertador son las siguientes:

Wild Tales de Damián Szifrón, por parte de Argentina.

Tangerines de Zaza Urushadze, por Estonia.

Corn Island de George Ovashvili, representando a Georgia.

Timbuktu  de Abderrahmane Sissako, por Mauritania,;

Accused de Paula van der Oest, representando a Los Paises Bajos;

Ida de Paweł Pawlikowski, por Polonia;

Leviathan de Andrey Zvyagintsev, por Rusia;

Force Majeure de  Ruben Östlund, por Suecia;

Libertador y Wild Tales son las únicas películas de habla hispana compitiendo por esta nominación.

Normalemente, las películas que compiten por este galardón siempre son las más interesantes, debido a que en su mayoría, son producciones independientes, y su carga artística es superior a las de habla inglesa, pues estás, normalmente, están enfocadas en agradar masas, por ende, repiten formulas en su formato y actuaciones, mientras que las películas de habla no inglesa, conciben una gama de aspectos característicos del cine independiente.

Libertador, a pesar de ser una co-producción independiente, como ya mencioné previamente, tiene muchísimas caras reconocidas, entre ellos: Xavi Giménes y  Sonia Grande, que entre otros, han participado en películas galardonadas en la academia. Este film posee una producción al mejor estilo hollywodense pero con todo el contenido artístico tan apreciado por el jurado de esta sección.

The Liberator ya pasó la prueba más difícil que es estar preseleccionada a la academia, ahora solo tiene que destacarse frente a sus competidoras. Personalmente, pienso que Libertador tiene todas las herramientas, no solo para ser nominada, sino para ganar la estatuilla.

Ahora, queda esperar hasta enero para saber si el film fue nominado, y si es así, no perdernos la competencia el 22 de febrero en Los Angeles.

Premios Oscar 2014: Ganadores y Críticas.

"A todos los soñadores en Ucrania y Venezuela".

Mejor Actor de Reparto

Entre todos los nominados, desde un principio era verídico que Jared Leto se llevaría esta estatuilla. El vocalista de 30 Seconds To Mars adelgazo alrededor de 20 kg para representar a un travestido enfermo de SIDA en Dallas Buyers Club. La academia siempre toma en cuenta esfuerzos como el cambio extremo de apariencia física y osadía para interpretar personajes distantes a las características personales del actor. En este caso, Leto no tenía competencia alguna; ni el alabado Tom Hanks por su actuación como Capitan Phillips recibió tanta atención como este chico con dicha enfermedad en etapa terminal.

Mejor Película Animada y Canción Original

Como es de costumbre Disney se alza con este galardón, nadie discute que Walt Disney Picture gane consecutivamente el renglón dedicado a los "pequeñitos" de la casa, porque todo adulto que alguna vez fue niño sabe que se lo merece. De esta manera Frozen se vuelve otro clásico de la casa; y a su vez, se convierte en un llamado de atención a las demás productoras que deben pulir "esos detalles" para que el cine animado no sea sólo una película infantil más, sino un punto de referencia actual para los niños del futuro. Conjuntamente con esta estatuilla, Disney se lleva mejor canción Original: uno de esos "detalles" que hacen que las películas del "ratoncito soñador" sean tan especiales.

Aquí les dejo Let It Go, el soundtrack interpretado por Demi Lovato.

Mejor Actriz de Reparto

"No se me escapa ni por un momento
 que tanta alegría en mi vida se deba al profundo dolor de alguien más". 

Esta batalla estuvo un poco reñida, entre las tres más cercanas a la línea meta se encontraban Sally Hawkins, una rosa británica que adopto un acento "brooklyneano" para interpretar a la hermana humilde y de poca educación de Cate Blanchett en Blue Jasmine. Todo iba bien para Sally hasta que de repente llegaron Jennifer Lawrence de American Hustle y Lupita Nyong'o de 12 Years a Slave como las dos candidatas favoritas para este premio. Definitivamente, J. Lawrence hizo un excelente rol como "white trash" en su film pero nunca mejor que Sally; entonces, si de "favoritas" se trata la cosa, la merecedora del galardón era definitivamente Lupita Nyong'o. La mejor actuación de las tres era sin duda la de ella, trabajos de despersonalización en escenas donde era abusada sexualmente, y la épica actuación cuando Michael Fassbeder la azotó hicieron de esta joven de 31 años ganar su primer Oscar, ser la única interprete mexicana en llevarse este premio a su país y convertirse en la actriz revelación del año, ¡felicidades Lupita!

Mejor Actor Principal

"Es una verdad científica que la gratitud siempre es
reciproca"

En esta situación, se repite la misma historia del principio con Jared Leto. Matthew McConaughey adelgazó más de 26 Kg para este papel. Esta es una gran hazaña para Matthew ya que nunca se había prestado para una actuación dramática; sólo drama-comedia, y por ende, era conocido por estás, presidiendo así una reputación de mal actor únicamente famoso por sus abdominales. Con este papel dio un giro a su carrera actoral, a través de su interpretación de un vaquero homófobo infectado de SIDA en etapa terminal logró ser visto como un interprete de grandes herramientas, y además, le logró su primer Oscar. Antes nunca respetado y sólo con expectativas de comedías dramáticas de bajo presupuesto, ahora se espera mucho contenido de él en futuras obras.

Si Matthew no hubiese sido nominado a este galardón, prbablemente Leonardo DiCaprio lo hubiese ganado, entre las demás actuaciones, después de Mcconaughey, la de DiCaprio es la más relevante. A pesar de ser el favorito de muchos era fácil adivinar que no se alzaría con el premio. La actuación de Matthew fue mucho más distante a la personalidad del actor, y aunque menos jocosa, fue más realista.

Mejor Actriz Principal

“Aunque este premio sea tan azaroso y subjetivo,
 significa muchísimo en un año
de extraordinarias actuaciones hechas por mujeres”

No cabe duda que la mejor candidata a ganar este premio fue quien lo obtuvo. Cate Blanchett, famosa por darle vida a la reina Elizabeth en la película homónima, bajo la dirección de Woody Allen ganó el Oscar por mejor actriz. Cate interpreta en Blue Jasmine, a una "cincuentona" que atraviesa por un divorcio; después de codearse con la crema inglesa, el atroz rompimiento con su marido la deja en las calles de Brooklyn viviendo arrimada en casa de su humilde hermana, sólo con opciones de trabajar como recepcionista en una clínica dental o de vendedora en una tienda de zapatos de segunda mano. Este drástico cambio de vida que la dejó sin esposo y sin hijos llevó a Jasmine (Cate Blanchett) a sufrir altibajos emocionales, convirtiéndola en una adicta al Xanax. Es imprescindible aplaudir el hecho de que dentro del humor negro que plantea la película, Cate logra transmitir toda esa desesperación y frustración que sufría Jasmine haciendo muy real sus cambios de humor y logrando así un bien merecido Oscar.

Mejor guión Adaptado

Para mejor guión adaptado 12 Years a Slave era el predilecto a este premio, la película es basada en hechos reales. Salomon Northup, un esclavo nacido libre, que contó su historia en una autobiografía, que a su vez fue adaptada para ser un guión de cine. Transformar una autobiografía en un esqueleto para ser visto en el cine es un trabajo complejo. A pesar del largo de la película no se puede menospreciar el gran logro de adaptación, y por ende, se celebra su Oscar por mejor guión adaptado.

Mejor Guón Original

Por otra parte, mi favorita a ganar mejor guión original fue Her, y lo logró. Cuando alguien te dice, "acabo de ver una excelente película sobre un hombre que se enamora de su computadora", la primera duda que se te viene a la cabeza es precisamente si lo que acaba de ver fue una "excelente película", pero sí, en este caso lo fue. Her es una crítica a la actual sociedad que durante este nuevo milenio tomó la tecnología como una herramienta indispensable para la rutina diaria, y que cada vez se hace más esencial para el desenvolvimiento global. Lo que hace a esta película ser el ganador del mejor guión original, es exactamente eso, lo original. Algunos piensan que enamorarse de un sistema operativo es la cosa más incoherente que puede haber, pero eso mismo decían nuestro padres 20 años atrás cuando pronosticaban que la siguiente generación pasaría el 90 % de sus tiempo acompañados por un aparato electrónico. La tecnología esta paulatinamente traspasándose de su dimensión digital a la nuestra , y eso es lo que está película logra proyectar, ¡muy bien merecido su Oscar!

Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Diseño de Producción

Ambas, fueron para The Great Gatsby, un gran trabajo de vestuario en el cual vestidos fueron sacados de museos para que los actores los usaran, y una escenografía que más allá de lo creativo es sumamente ostentoso. Todas estas combinaciones llevaron a El Gran Gatsby a ser la película con los dos galardones más artísticos y representativos del séptimo arte en esta entrega. The Great Gatsby recreó a la alta sociedad neoyorquina de los años 20, con toda esa parafernalia que identifica a esa época y al mismo tiempo la actualizo de manera que no dejara de ser divertida, pero logrará una estética característica del nuevo cine.

Mejor Director

"Sandy (Sandra Bullock), eres el alma y el corazón de la película"

Conjuntamente con mejores efectos visuales, mejor edición de sonido, mejor montaje, mejor fotografía y mejor banda sonora Gravity, con 7 galardones en total, también se llevó mejor director por Alfonzo Cuarón. La tecnología de esta película es una nueva manera de experimentar el cine, cualquiera que haya visto esta película en una sala 3D, se sumerge en la trama y se siente como probablemente se sentiría un astronauta en una situación parecida. Con su tecnología, buenas actuaciones, y muy original guión; Gravity es un punto de vanguardia para el cine digital, y todo esto, sólo fue posible gracias a la gran dirección de Cuarón. Una película con semejante responsabilidad únicamente podría haber sido lograda gracias a la experiencia, y como reconocimiento, nuestro charolastra favorito, el mexicano Alfonso Cuarón se lleva el galardón más soñado de todos.

Mejor Película

Por último llega la nominación más emblemática de todas. Muchos piensan que el Oscar a mejor película es un sumatoria de todas las premiaciones anteriores; pero no, este no es un resumen de la noche: es un resumen de un trabajo que hay veces no se ve apreciado. 12 Years a Slave, a pesar de su dos galardones durante la noche se alza con este como un merecido tercero. La explicación se debe a que para premiar mejor película se hace un promedio de absolutamente todos los renglones en la cuál una película debe tener un mínimo de puntos para poder ganar este premio. Aunque únicamente se haya llevado durante la noche mejor actriz y mejor guión adaptado, se debe tomar en cuenta que en cada unos de los aspectos que definen a una buena película, 12 Years a Slave tomó una acción en todas. Desde un impecable casting, hasta un manejo de fotografía en exteriores;también, pasando por un diseño de producción y vestuario muy bien representado de la época, este film de Steve Mcqueen se lleva esa estatuilla que tiene un poquito de todas las anteriores.

"Dedico este galardón a todos los que han sufrido esclavitud y los que aún la sufren".
 -Steve McQueen

Azul Y No Tan Rosa (2012)

En los últimos 40 años el cine venezolano se ha enfatizado en temas tales como delincuencia organizada, secuestros, prostitución y pobreza. La calidad del cine criollo al principio fue prometedora hasta la época de los 70's donde muchos productores alegaban que ''Shakespeare no subía "barrios"", pero la realidad es que la cultura sube hasta donde sea cuando esta impulsada por buenas razones. A pesar de los prejuicios de consumo,tanto la crítica internacional como el venezolano de a pie tiene un excelente gusto por el buen cine; y Miguel Ferrari con su opera prima, Azul y No Tan Rosa, lo demostró convirtiendo este film en una de las películas venezolana más taquilleras de todos los tiempos y la primera en ganar un premio Goya.

Azul y No Tan Rosa cuenta la historia de un fotógrafo homosexual que un día recibe la noticia de que su hijo Armando, un adolescente con el que jamás había tenido una buena relación, llega de España a visitarlo un tiempo. El padre del muchacho se encuentra con las complicadas tareas de atenderlo, de conciliar su relación con él y al mismo tiempo darle a entender cuál es su preferencia sexual en un contexto dónde la homofobia reina y su novio ha sido mortalmente herido.

Azul y No Tan Rosa es el núcleo de una serie de mensajes donde la tolerancia, la conciliación y la aceptación son protagonistas. Mientras los récords en taquilla y los galardones demuestran que el buen cine es cultura, y la cultura sube hasta la montaña más alta cuando el mensaje se hace con sabiduría. El prejuicio de aquellos que alguna vez subestimaron el cine venezolano como objeto de culto o como punto de referencia a nivel mundial, son los que hoy en día se pierden el placer de celebrar este galardón que no subestima a los niños por el color de los escarpines.

El Hombre Elefante (1980)

Unos de esos films tan conmovedores e impactantes que hace al visor dudar su base en hechos reales; en este caso The Elephant Man crea un impacto aún más grande al contar la historia de un hombre que existió en la vida real. John Merrick, mejor conocido como "El Hombre Elefante", nació en Inglaterra a mediados del siglo XIX. Este joven famoso por su terrible malformación física alegaba que lucía de esa manera porque cuando su madre estaba embarazada de él fue atacada por una estampida de elefantes asustandola de tal manera que le provocó ese aspecto al nacer. Todo esto era una ilusión: su fisionomía se debía a una extraña enfermedad llamada Síndrome de Proteus que causaba crecimiento excesivo de la piel y un desarrollo anormal de los huesos llevando así a John Merrick a tener una apariencia aterradora, pero jamás tan aterradora como sería su vida.

Entre las dolencias más grandes de Merrick se encontraba la muerte de su madre, la única persona que lo había querido sin importar su apariencia. John quedó huérfano a muy temprana edad, como es de suponer por muchos, fue imposible seguir en la escuela debido a las burlas hechas por los niños. Su padre después de enviudar se casó por segunda vez: este al igual que su madrastra lo vejaba debido a su condición y lo hacía trabajar vendiendo dulces en la calle, tarea la cual era imposible cumplir gracias a su apariencia; muchas veces usaba el dinero que le daban para el almuerzo y se lo devolvía a su padre en la noche para hacerle creer que había logrado vender algo.

Después de tanta frustración y desprecio partió de su casa a dar tumbos en la calle, en un principio llegó a laborar en una "casa de trabajo" donde lo explotaban solo por comida y un lugar donde dormir. John Merrick terminó trabajando como "fenómeno de circo" donde a diario se exponía a humillaciones de su socio y de los usuarios a los cuales entretenía; hasta que un día, un cirujano plástico conoció su caso y cambió el estado de El Hombre Elefante la quimera de circo a John Merrick una rareza a estudiar por muchos médicos. Todo esto da comienzo a la historia contada en está película en la cuál un cirujano plástico llamado Frederick Treves representado por Anthony Hopckins descubre un caso de estudio que cambiaría la historia de la medicina, y también su vida; Frederick encontraría en esa persona tan deformada un se con una inteligencia muy por encima del promedio y lleno hermosos sentimientos.

John Merrick
 1862 - 1890

El Hombre Elefante fue nominada a siete premios Oscar y a pesar de no haber sido galardonada con ninguno es tomada como objeto de culto en todo el mundo y aún 30 años después de su estreno hace llorar a muchos que por primera vez se topan con ella en la pantalla, y a otros como yo repetidamente.